FRA : Yoth Iria est un duo grec de Black Metal basé à Athènes. Un an après la sortie de leur premier EP Under His Sway (2020), Jim Mutilator (Medieval Demon, ex-Rotting Christ, ex-Varathron) et The Magus (Necromantia, Thou Art Lord) reviennent aux devants de la scène hellénique le 25 janvier 2021 avec son premier album dédié aux forces infernales, As The Flame Withers. As the Flame Withers (2021) n’a pas manqué de m’impressionner sur la variété des morceaux et l’éclectisme il fait preuve. Yoth iria n’attend pas une seule seconde pour plonger l’écoute au plus profond de la Terre, où un feu volcanique gronde au son du premier riff de « The Great Hunter ». Non seulement des morceaux rapides et mélodiques qui comportent avec évidence l’influence de Heavy Metal classique (« The Great Hunter », « The Mantis », ou « The Red Crown Turns Black »), les grecs peuvent aussi par moments se montrer imposants, lourds et majestueux (« Hermetic Code », « Unborn, Undead, Eternal », « Tyrants »), ce qui est plutôt typique de ce que l’on retrouve chez groupes grecs. Les paroles incantées par la voix exaltée de The Magus (vocaux, paroles) donnent à l’écoute un caractère homérique et saisissant. Si vous connaissez déjà la scène grecque, vous savez sans doute que Jim Mutilator (basse, paroles, composition) et The Magus sont parmi ceux qui ont réussi à rendre célèbre le son chaleureux, mystique, mélodique et épique qui font depuis les années 90 partie intégrante de l’identité sonore du Black Metal hellénique. Ici, ces éléments ne sont pas nouveaux, mais sont produits d’une manière qui les rend plus soutenus et ouverts. Cela permet plus facilement les mélodies et les différentes atmosphères de s’y inscrire. Cela rend ce voyage dans l’Erèbe sombre et ardent de As the Flame Withers (2021) hypnotisant. Il attise la curiosité d’en entendre davantage, au point où il est difficile d’écouter un morceau sans écouter le reste de l’album et ceci, grâce à une homogénéité sans précédent. À la sortie de Under His Sway (2020), Yoth Iria promettait d’être un projet particulièrement intéressant, grâce aux nouveaux éléments dans la production. Ceci a amené une nouvelle vitalité au son du Black Metal hellénique, dont les maîtres Jim Mutilator et The Magus n’ont cessés d’étoffer la formule depuis les années 90. As the Flame Withers (2021) est un premier album dont s’émane une énergie ardente, pleine de vitalité et de jeunesse. Il se montre également intéressant sur le plan intellectuel, grâce à un style d’écriture romantique et philosophique présent dans les paroles, explicitant un dévouement et un amour sans précédent à l’Ange Déchu. Celui-ci semble incarner ici un symbole de pouvoir, d’indépendance, de sagesse et de liberté. Un résultat qui n’aurait pas été le même sans les prestances efficaces de George Emmanuel (guitare), JV Maelstrom (batterie) et John Patsouris (clavier), tous trois guests depuis le premier EP. Yoth Iria réussit plus que brillamment à se mettre en avant en ce début d’année 2021 et laissera sans doute son public avide et impatient de sorties futures. ENG: Yoth Iria is a Greek Black Metal duo based in Athens. A year after the release of their first EP Under His Sway (2020), Jim Mutilator (Medieval Demon, ex-Rotting Christ, ex-Varathron) and The Magus (Necromantia, Thou Art Lord) come back to the front of the Hellenic scene the 25th of January 2021 with their first album dedicated to the Infernal forces, As the Flame Withers. As the Flame Withers (2021) didn’t miss to impress me on the variety of the pieces and the eclecticism it shows. Yoth Iria doesn’t wait a single second to plunge the listening to the deepest point in Earth, where a volcanic fire roars to the sound of the first riff of "The Great Hunter". Not only are there fast and melodic songs, that clearly bear classic Heavy Metal influences (“The Great hunter”, “The Mantis”, or “The Red Crown Turns Black”), the greeks can also show themselves imposing, loud and majestic (“Hermetic Code”, “Unborn, Undead, Eternal”, “Tyrants”), which is typical from the Greek bands. The lyrics incantated by The Magus’ exalted voice (vocals, lyrics) give to the listening a more Homeric and strickling feature. If you already know the Greek scene, you certainly are aware that Jim Mutilator (bass, lyrics, songwriting) and The Magus count amongst the people who succeeded to give to the Greek scene its warm, mystical, melodic and epic sound, which have been an integral part of the Hellenic Black Metal scene since the 90’s. In this album, those elements aren’t that new, but they’re brought and produced in such a way that they are more sustained and opened. This makes it easier for melodies and different atmospheres to fit in. This makes it easier for melodies and different atmospheres to fit in. This makes this journey into the dark and fiery Erebia of As the Flame Withers (2021) hypnotizing. It arouses curiosity to hear more, to the point where it’s difficult to listen to one single track without listening to the rest of the album, thanks to an unprecedented homogeneity. When Under His Sway (2020) was released, Yoth Iria promised to be a particularly interesting project, thanks to the new elements in the production. This brought a new vitality to the sound of Hellenic Black Metal, whose masters Jim Mutilator and The Magus have been constantly expanding the formula since the 90's.As the Flame Withers (2021) is a debut album from which emanates a fiery energy, full of vitality, strength and youth. It is also intellectually interesting, thanks to the romantic and philosophical style of its lyrics, declaring an unprecedented devotion and love for the Fallen One. Here, he seems to incarnate a symbol of power, independance, wisdom and freedom. A result that wouldn't have been the same without the efficient presence of George Emmanuel (guitar), JV Maelstrom (drums) and John Patsouris (keyboard), all three guests since the first EP. Yoth Iria more than brilliantly manages to put itself forward at the beginning of 2021 and will undoubtedly leave its audience eager and impatient for future releases.
FRA : Trois ans après la sortie de leur premier album SoL (2017), le duo de Trip-Hop suisse dIVA, composé de Lisa-Marie (chant) et Pierre-Emmanuel (guitare), se libère à nouveau de la gravité terrestre et part en direction du fin fond de l’espace avec son deuxième opus, AiR, sorti le 27 novembre 2020. Un point fort d’AiR (2020) pour moi est l’éclectisme dont il fait preuve. Après « Cérès » dIVA enchaîne non seulement la suite de ses morceaux de manière très fluide, mais n’a pas hésité à inclure, comme dans son premier album, beaucoup d’atmosphères très variées provenant d’autres genres de musiques. Le Trip-Hop que jouent les suisses porte des influences provenant notamment du Folk (« Eris »), du R’N’B (« Saturne », « Hauméa »,) et du Rock psychédélique (« Neptune »). La voix de Lisa-Marie ne manque pas de démontrer sa présence et change aisément de style vocal à des moments clés des chansons. J’aime notamment la chanson « Jupiter », où d’emblée, sa voix est imposante dès le début de l’album, « Pluton », où elle rap et le break de « Neptune », où elle fait référence aux trous noirs. Lisa-Marie sait aussi se montrer mélancolique tout en gardant beaucoup d’énergie, comme dans « Uranus » ou « « Saturne ». La guitare de Pierre-Emmanuel accompagne parfois les mélodies du chant et renforcent avec efficacité l’atmosphère émotionnelle générale de chacun des morceaux avec des notes en arpèges planants et entraînants. Ce que j’apprécie également, c’est que les expérimentations inclues sont amenées de manière simple. Cela permet à l’auditeur/trice de s’imprégner facilement des éléments musicaux et de se laisser transporter dans l’univers cosmique de dIVA. La production ambiante et spatiale, ainsi que la programmation, gérée par REMOVE (bassiste), connecte efficacement les morceaux entre eux et maintient durant l’écoute un fil rouge solide. Cela permet en outre à AiR (2020) de maintenir non seulement son cap, mais également d’avoir un son vivant, naturel et organique. dIVA offre avec AiR (2020) une expérience d’écoute éclectique et émotionnelle, en inscrivant dans un trip-hop expérimental des styles variés et en réussissant à les corréler et à les maintenir ensemble harmonieusement. Si AiR (2020) est moins sombre que SoL (2017), il se démarque de celui-ci en proposant des compositions aux expérimentations plus variées, plus fluides et plus accrocheurs. Ces éléments, d’une première part, en font un album plus riche et intéressant sur le plan musical et émotionnel. D’une deuxième part, elle offre à dIVA une identité sonore plus mature et mystique en repoussant ce qui a déjà été fait dans le premier album, grâce à une production et une programmation soutenue et élastique. AiR (2020) attire l’auditeur/trice dans un voyage interstellaire dansant, énergique et séduisant à travers les planètes et les astres du système solaire, dont il/elle n’atterrira de sitôt. ENG : Tree years after the release of their first album SoL (2017), the Trip-Hop swiss duo dIVA, founded by Lisa-Marie (singer) and Pierre-Emmanuel (guitar) leaves once more the terrestrial gravity and goes towards the infinite space with its new opus, AiR, released on the 27th of November 2020. The eclecticism that emanates from AiR (2020) is to me one of its strengths. Right after « Cérès », dIVA not only delivers smoothly the other tracks, but has not hesitated to include, as in their first album, a lot of variated atmospheres that come from other music genres. The Trip-Hop music that is played by the swiss bear influences from Folk (“Eris”), R’N’B (“Saturne”, “Hauméa”) and from Psychedelic Rock (“Neptune”) in general. Lisa-Marie’s voice doesn’t lack out of presence and easily changes of vocal styles to certain key moments of the songs. I especially like « Jupiter », where her voice is already at the very beginning of the song imposing. I also liked hearing her rapping at « Pluton » and “Neptune”’s break, where she talks about black holes. Lisa-Marie can also sing melancholically while keeping a lot of energy, as in “Uranus” or “Saturne”. Pierre-Emmanuel’s guitar sometimes accompanies the vocal melodies and efficiently einforce the general emotional atmosphere of each piece with soaring and catchy arpeggiated notes. Something more that I like too, is that the included experimentations are brought and carried by a simple way. That allows the listener to easily soak up the musical elements and let him/herself be immerged into the cosmic world of dIVA. The ambient and spatial production and programming, managed by REMOVE (bassist, programming), effectively connects the tracks to each other and maintains a solid common thread during the listening. It allows to AiR (2020) not only to stay on course, but also in having a lively, natural and organic sound. dIVA delivers with AiR (2020) an eclectic and emotional listening experience, by inscribing in an experimental trip-hop various styles and by succeeding in correlating them and keeping them together harmoniously. If AiR (2020) is less dark than SoL (2017), it stands out from the latter by offering compositions with more varied, fluid and catchy experimentations. First, these elements offer a richer and more interesting album, both musically and emotionally. Second, they offer dIVA a more mature and mystical sound identity by pushing back what has already been done in the first album, thanks to a sustained and elastic production and programming. AiR (2020) draws the listener into a dancing, energetic and seductive interstellar journey through the planets and stars of the solar system, which he/she won't land anytime soon.
FRA : Paara est un groupe de Black Metal avec des influences progressives basé à Helsinki. Après leur premier album Yön olevainen puoli (2015), le sextuor finnois nous emmène à nouveau dans la nature environnant du üays aux Milles Lacs entendre les histoires des entités sombres de leur folklore avec Riiti, leur second album, sorti le 9 février 2018. Dès l’introduction en arpège de « Vilmeinen virta », Paara attire peu à peu l’auditeur/trice dans un monde folklorique à l’atmosphère froide, grise et lugubre. C’est comme si l’endroit dans lequel les finnois veulent nous emmener se retrouve maudit par un sort funeste, abritant des douloureux souvenirs. Les riffs glacials et surnaturels joués par Lempo (guitare) et Zvartus (guitare, chant clair) accompagnent avec merveille les shrieks de Helmouth (chant) pendant les instants plus directs et les chants clairs de Zvartus et Hahtezan (voix féminine). La batterie, jouée par Waara, s’adapte avec perfection aux différentes phases de l’album. Elle ajoute plus de coffre aux passages les plus agressifs, comme la chanson « Hurmeen hauta » ou la seconde partie de « Vilmeinen virta ». Waara est aussi derrière les percussions qui sont jouées par-ci par-là dans l’album, procurant quelques fois à l’album des ambiances plus atmosphériques. La basse jouée par Trangoth renforce la couleur grisâtre de l’album, ainsi que la présence sinistre des forces surnaturelles hantant les recoins de l’album. Les 3 vocalistes placent leurs lignes de chant de sorte que cela ressemble presque à une conversation entre différents personnages. J’apprécie énormément cet effort. En effet, trois vocalistes derrière leurs micros peuvent sembler beaucoup de personnes. Toutefois, la présence de chacun d’entre eux est si bien répartie sur l’ensemble de l’album que cela rend l’intervention de chacun et chacune d’entre eux nécessaire pour se compléter. Ainsi, chaque entité et personnage a sa place au sein de l’album. Comme son prédécesseur Yön olevainen puoli (2015), Riiti (2018) inclut une légère empreinte progressive dans sa composition générale. Celle-ci est travaillée avec soin, que ça soit durant les breaks instrumentaux, ou pendant que l'une des voix (ou plusieurs simultanément) prend place. Les chansons ne contiennent pas non plus des transitions trop différentes entre les mesures, mais les éléments progressifs amenés apportent un sens aux chansons. La production est également plus travaillée que le premier album, faisant de Riiti (2018) une sortie plus accessible. Les paroles étant entièrement écrites en finnois et ne comprenant pas cette langue, je me suis servi de Google et suis allé sur leur site Internet où le groupe a laissé quelques notes expliquant le concept lyrique des chansons. Il semblerait que les paroles abordent les histoires traditionnelles et folkloriques de la Finlande, mais du point de vue des forces obscures de la nature. Je ne peux pas parler beaucoup plus du concept lyrique. Toutefois, je trouve que l'usage du finnois renforce l'immersion dans l’album, rendant pour moi l’écoute plus intéressante. Il y a une grande transmission émotionnelle, représentant pour moi la force majeure de Riiti (2018). Durant les mesures plus calmes, le chant clair reste mélancolique et donne un ton parfois lugubre et fantomatique, par lequel les autres instruments arrivent sans peine à accompagner et à mettre en valeur. C’est aussi le cas dans les moments les plus rapides de l’album, proche d’un Black Metal plus traditionnel et transmettant une énergie plus sauvage et agressive. Parfois, le plus important pour comprendre la musique est simplement de l’écouter et de comprendre avec les émotions ce qu’elle tente de partager. Paara livre un album époustouflant, en repoussant les limites de la composition de son premier opus, Yön olevainen puoli (2015), en incluant dans les chansons des éléments progressifs plus fluides et plus matures. L'empreinte émotionnelle de Riiti (2018) est si forte et présente que Paara emporte sans aucune difficulté l’auditeur-trice dans un monde lugubre, sinistre et fou au moyen d’un mauvais sort. Cette intrigue ramène à la vie les forces surnaturelles oubliées depuis des âges immémoriaux et enfouies dans le folklore finnois. Ces entités prennent en chasse et tourmentent l’intru qui s’est égaré dans leur monde, comme Alice au Pays des Merveilles. Cette perte de repaire est si avancée qu’elle fait perdre toute raison et tout contact avec le monde rationnel que nous connaissons, complétant ainsi la malédiction. ENG : Paara is a Black Metal band with progressive influences based in Helsinki. After their first album Yön olevainen puoli (2015), the Finnish sextet takes us once again to the surrounding nature of the Land of the Thousand Lakes to hear the stories of the dark entities of their folklore with Riiti, their second album, released on February 9, 2018. From the arpeggio introduction of “Vilmeinen virta”, Paara slowly attracts the listener into its folkloric world from which emanates a cold, grey and foggy atmosphere. It’s as if the place where the Finnish wanted to take us was cursed by a disastrous spell. The icy and supernatural riffs played by Lempo (guitars) and Zvartus (guitars, clean vocals) accompany wonderfully Helmouth’s shrieks (Vocals) during the more direct moments and Zvartus and Hahtezan (female vocals). The drums played by Waara adapt with perfection to the different album phases and brings more of its presence to the more energic parts, like the song “Hurmeen hauta”, or the second part of “Vilmeinen virta”. Waara also plays percussions that appear there and there during the listening, giving sometimes to the album more ambient atmospheres. The bass played by Trangoth reinforces the greyish color of the album, as well as the eerie presence of supernatural forces that haunt every corner of the album. The 3 vocalists place their vocal lines in such a way that it almost hears like a conversation between different characters. This is an effort that I really appreciate. 3 vocalists may seem like a lot of people involved behind their mics. However, the presence of each of them is so well distributed throughout the album, that it makes the intervention of every one of them is necessary in order to complement each other. In this way, each entity and character have its place within the album. Like its predecessor, Yön olevainen puoli (2015), Riiti (2018) includes a slight progressive shape into its songwriting. It’s carefully worked, whether during the instrumental breaks, or while one of the voices (or several simultaneously) takes place. The songs do not contain too different transitions between the different measures. The progressive elements composed however, bring meaning to the songs. The production’s also more elaborated than the first album, making Riiti (2018) a more accessible record. As the lyrics are written entirely in Finnish and not understanding that language, I used Google and went to their website where the band left a few notes explaining what each song was about. The lyrics seem to approach the traditional and folk tales of Finland, but from the perspective of the dark forces of nature. I can't speak much more about the lyrical concept. However, I find that the use of Finnish gives a plus to the immersion in the album, giving the listening more interesting to me. There is a great emotional transmission, which for me represents the major strength of Riiti (2018). During the quieter bars, the clear vocals remain melancholic and give a sometimes an eerie and ghastly tone, through which the other instruments easily manage to accompany and enhance. This is also the case in the album's quicker moments, closer to a more traditional Black Metal tendance and conveying a wilder, aggressive energy. Sometimes, the most important thing in understanding music is just to listen to it and to understand with emotions what it is trying to share. Paara delivers a breathtaking album, pushing the boundaries of the composition of his first opus, Yön olevainen puoli (2015) by including more mature and fluid progressive elements in the songs. The emotional imprint of Riiti (2018) is so strong and present, that Paara carries without any difficulty the listener into a gloomy, sinister and mad world by casting an evil spell. This plot brings to life supernatural forces forgotten from time immemorial and buried in Finnish folklore. These entities chase and torment the intruder who has strayed into their world, like Alice in Wonderland. This loss of sanity is so advanced that it takes away all reason and all contact with the rational world that we know, completing the curse.
FRA : Les Tchèques de Cult of Fire rallument leurs bâtons d’encens 7 ans après la sortie de Ascetic Meditation of Death (2013) et célèbre deux cérémonies avec leur double album Moksha/Nirvana, sorti le 20 février 2020. MOKSHA Moksha (2020) nous emmène dès ses premiers instants au bord du Gange dans la ville de Kashi écouter les préceptes de Baba Kiranam, grand gourou et réformateur aghori (secte vénérant Shiva, le dieu hindou de la destruction). C’est avec un Black Metal teinté d’atmosphères variées, d’instruments rituels indiens et de voix incantatoires que Infernal Vlad (guitare, basse et vocaux) partage ses expériences personnelles à Kashi : ses conversations avec les aghoris, ses combats intérieurs durant leurs différents rites de purification et la crémation des défunts devant le Gange, afin de rejoindre le Nirvana. L’immersion dans le monde de Moksha (2020) est l’aspect sur lequel Cult of Fire a selon moi réussi le plus réussi à investir dans cet album, grâce à son atmosphère générale. À l’instar de The Ascetic Meditation of Death (2013), Moksha (2020) joue des riffs droits et froids, en incluant un certain nombre d’instruments traditionnels indiens. Ceux-ci apportent une certaine chaleur à l’écoute et permettent de s’immerger dans le monde des aghoris, leur spiritualité, la complexité et l’effort quotidien lors de leurs rites au sein même de Kashi (Varanasi, Bénarès,…). Les paroles chantées par la voix directe, froide et dévouée de Devilish étant en tchèque, et ne comprenant pas cette langue, je ne peux pas comprendre avec plus de détail les thèmes explorés dans l’album. Néanmoins, la voix froide et directe de Devilish est pleine de dévotion et ne manque pas d’apporter une prestance pleine d’énergie durant toute l’écoute de Moksha, ainsi que celle de Nirvana, que nous allons explorer maintenant. NIRVANA Nirvana nous emmène en Himalaya, dans la pratique rituelle du Bouddhisme Tantrique et nous invite à explorer les 5 kleshas (émotions afflictives). Chacun d’entre eux est représenté par un Bouddha et apparaissent dans l’album comme suit : la colère, l’avarice, l’égoïsme, la jalousie et l’ignorance. L’album nous plonge au plus profond de leurs essences à travers les 5 titres. Cette « deuxième partie » nous partage un Black Metal restant atmosphérique et rituel dans sa composition générale, mais comportant moins de passages couverts par des instruments traditionnels, se concentrant selon moi plus généralement sur les émotions que nous apportent les compositions. Les ambiances des morceaux sont toutefois plus froides et autrement méditatives que Moksha (2020). Ce qui m’a plus marqué dans Nirvana (2020), c’est que les morceaux étant composés parfois plus simplement que son frère, ils permettent à l’auditeur/trice de se focaliser sur ce qu’elle perçoit à travers chacun des kleshas, permettant un voyage plus introspectif et individuel que son jumeau, qui a lui, une atmosphère plus ouverte. Cela évite une répétition et permet à Nirvana (2020) d’être un album incarnant une identité à la fois propre et complémentaire. CONCLUSION C’est un double album que j’ai beaucoup plus qu’apprécié à sa sortie et que j’écoute toujours aujourd’hui, presque un an après sa sortie. L’univers à la fois mystique, violent, introspectif et méditatif dans lequel Moksha/Nirvana (2020) prend place, plonge l’auditeur/trice dans une dimension où la vie, la mort, la morale prennent forme grâce à une alchimie équilibrée entre les rituels magiques de la secte des aghoris et du Bouddhisme Tantrique et le Black Metal. Cult of Fire nous guide sur un sentier émotionnel ésotérique et quasi sensoriel sur la voie de la destruction létale et spirituelle, ainsi que sur la visibilité et de la valorisation de nos propres contradictions et imperfections. ENG : Cult of Fire light back their incense sticks 7 years after Ascetic Meditation of Death (2013) and celebrate two ceremonies with their double album Moksha/Nirvana, which was released on the 20th of February 2020. MOKSHA Moksha (2020) takes us from its first moments on the banks of the Ganges into the city of Kashi to listen to the precepts of Baba Kiranam, great guru and aghori reformer (sect venerating Shiva, the Hindu god of destruction). It’s with a Black Metal that is tinged with varied ambiances, Indian ritual instruments and incantatory voices, that Infernal Vlad (guitar, bass and vocals) shares his personal experiences in Kashi: his conversations with the aghoris, his interior fights during their various purification rites, and the cremation of the deceased in front of the Ganges, in order to reach the Nirvana. The immersion in the world of Moksha (2020) is the aspect that, I think, Cult of Fire has been most successful in investing in this album, thanks to its general atmosphere. Just like The Ascetic Meditation of Death (2013), Moksha (2020) delivers straight cold riffs including in its songwriting Indian traditionnal instruments, bringing a certain heat while listening and allow the listener to dive into the aghoris’ culture, spirituality, complexity and their daily ritualist efforts into the great city of Kashi (Varanasi, Benares…). The lyrics are in Czech and, not being able to understand it, I cannot be more specific about the themes that this album explores. Nonetheless, we can feel that Devilish’s cold and direct voice is full of devotion and does not fail to bring an energetic presence throughout all listening to Moksha (2020), as well as that of Nirvana (2020), which we will explore now. NIRVANA Nirvana takes us to the Himalayas, into the ritualistic practices of Tantric Buddhism and invites us to explore the 5 kleshas (afflicting emotions). Each of them is represented by a Buddha and appear in the album as follows: anger, greed, selfishness, jealousy and ignorance. The album plunges us into the depths of their very essence through the 5 tracks. This "second part” delivers a Black Metal that remains atmospheric and ritualistic in its general composition, but with fewer passages covered by traditional instruments, focusing in my opinion, more generally on the emotions that the compositions bring to us. The moods of the tracks are however colder and differently meditative than Moksha (2020). What struck me most in Nirvana (2020) is that the songs are sometimes composed more simply than its twin, allowing the listener to focus on what he/she perceives through each of the kleshas. It gives a more introspective and individual journey than Moksha (2020), which has a more open atmosphere. This avoids repetition and allows Nirvana (2020) to be an album that incarnates an identity that is both his own and complementary. CONCLUSION It’s a double album that I more than enjoyed from the day it was released and that I still listen to today, almost a year after it was released. The universe at once mystical, violent, introspective and meditative in which Moksha/Nirvana (2020) take place, plunges the listener into a dimension where life, death, morals take shape thanks to a balanced alchemy between the magic rituals of the sect of aghoris and Tantric Buddhism and Black Metal. Cult of Fire guide us in an esoteric and quasi-sensory emotional way on the path of lethal and spiritual destruction, and on the visibility and the valuation of our own contradictions and imperfections.
FRA : Atramentus est un groupe basé au Québec (CA) et fondé par Philippe Tougas (Chte’ilist, D.D.T. Eternity’s End, etc.). Stygian est leur premier album, sorti le 21 août de cette même année. L'album répartit ses 45 minutes sur 3 chapitres. Globalement, la production de Stygian (2020) est caverneuse, tout en contenant un écho, rendant le son ouvert. Ce que j’apprécie beaucoup dans sont les différentes influences qui sont apportées dans cet album. Les québécois incluent des éléments du Dark Ambient, apportant beaucoup d’ingrédients expérimentaux dans la formule finale, tout en gardant le fil conducteur. « Stygian I: From Tumultuous Heavens… (Descended Forth the Ceaseless Darkness) » offre dans ses premières minutes une ambiance assez classique de ce qu’on s’attend à entendre de manière classique d’un genre comme le Funeral Doom Metal. Ils posent toutefois le ton dès la première note, et nous permet de prendre des repaires dans le monde froid et gelé auquel nous avons pris place. Peu après, le clavier (joué par François Bilodeau) ouvre une vision plus élargie du monde sombre et sinistre que nous parcourons. Les chœurs qui se font entendre plus loin donnent comme une touche de puissance au morceau, comme si nous étions soumis aux lois de cet endroit. Les riffs lents joués par Tougas et Claude Leduc, la basse oppressante jouée François Bilodeau, ainsi que la batterie au son pesant de X. Bethriaume, accompagnent les grunts profonds et graves, qui semblent ternir toute présence de lumière au fur et à mesure que nous progressons. Le morceau s’achève sur la batterie qui a un son de plus en plus lointain. C’est comme si à présent, la brume enneigée a enveloppé derrière nous le chemin que nous avons entrepris, nous coupant de tout lien avec le monde de lumière d’où nous sommes venus. « Stygian II: In Ageless Slumber (As I Dream in the Doleful Embrace of the Howling Black Winds)” est instrumental. Il l’agit du morceau le plus ouvert de Stygian (2020). Nous ressentons que nous sommes pris au piège au plus profond du monde gelé, sans plus aucune lumière pour nous éclairer. Seuls des murmures se font entendre au plus profond de notre tête, nous indiquant comme une marche à suivre. Au bout d’un moment de marche et en étant perdu dans le désert polaire, nous ne nous rendons plus compte si les multiples voix pénétrant notre esprit sont, ou si le vent hurlant et tumultueux nous joue des tours. La folie et la manifestation des erreurs de notre vie nous prend au piège dans les courants de notre propre esprit, jusqu’à ne plus respirer. C’est au plus profond de cette noyade psychique que nous sommes plongés dans la panique la plus totale, en prise à la multitude d’angoisses qui remplit nos poumons. La crise prend subitement fin, alors que nous ouvrons les yeux, après avoir réussi à respirer à nouveau. « Stygian III: Perennial Voyage (Across the Perpetual Planes of Crying Frost & Steel-Eroding Blizzards) » est la conclusion de ce voyage limbique. Le morceau s’ouvre doucement avec un arpège de guitare et la voix gutturale de Tougas. L’album prend une tournure plus ouverte, comme si nous avions appris à regarder ce monde gelé différemment. Ce que j’aime beaucoup avec ce morceau, c’est qu’il explore encore d’autres variations sonores. Il évite par conséquent de se répéter sur les deux autres ; Les guitares sont plus expérimentales et mélodiques, Tougas utilise sa voix de manière beaucoup plus variée et le clavier accompagne les derniers contours de cette trame funéraire avec un entrain mélancolique et séduisant. À la toute fin, les canadiens éclatent une dernière fois en rage et le hurlement de Touglas se fige dans le froid. Dans les dernières minutes de la chanson, le vent souffle toujours en présence des chœurs qui maintiennent leur hymne éternel. C’est en prenant part au corps et à la conscience de ce monde damné et gelé que notre voyage s’achève. Atramentous amène avec Stygian (2020) pour moi un, si ce n’est le meilleur album de Funeral Doom Metal de cette année. Les québécois offrent un voyage presque sensoriel dont l’essence fantomatique et lugubre attire, captive et donne envie de plus en découvrir. Tout en gardant des atmosphères oppressantes, la diversité des émotions que nous ressentons durant l’écoute rend le monde que nous parcourons complexe, torturant et fascinant. À l'exemple d'un tableau triptyque, les 3 chapitres de Stygian (2020) sont si complémentaires et liés qu'il est impossible de les dissocier. À chaque écoute, il est possible de découvrir un nouvel élément dans le son, offrant ainsi une nouvelle expérience. L’atmosphère pétrifiante, glaciale et séduisante qui se dégage de cet album nous fait sentir minuscule, nu et à la merci des tourments de son monde aux températures subarctiques. Pour les fans de Skepticism, Thergothon and Mournful Congregation. ENG : Atramentus is a band based in Quebec (CA) and founded by Philippe Tougas (Chte’ilist, D.D.T., Eternity’s End, etc.). Styigan is their debut album and was released on the 21st of August of 2020. The album divides its 45 minutes over 3 different chapters with the title of the album. Overall, Stygian (2020)’s production is cavernous, while still containing an echo that makes the sound open. What I enjoy a lot is the how the different influences are brought into the album. The Quebecers include elements of the Dark Ambient, bringing a lot of experimental ingredients in the final formula of the album, while keeping the narrating thread. « Stygian I: From Tumultuous Heavens… (Descended Forth the Ceaseless Darkness) » delivers into its firsts minutes a quite classic atmosphere of what we expect to hear from a music genre such as Funeral Doom Metal. However, it sets the tone from the very first note, and allows us to take a first look to the cold and frozen world we sat place into. Not long after that, the keyboards (played by François Bilodeau) open a larger vision to this dark and sinister place that we travel into. The choirs which are heard further on give a touch of power to the piece, as if we were subject to the laws of this place. The slow riffs played by Tougas and Claude Leduc, the oppressive bass played by Antoine Daigneault, and the loud drums played X.Bethriaume, accompany the deep, low grunts, which seem to dull any presence of light as we progress. The track ends on the drums which sound more and more distant. It is as if now the snowy haze has enveloped the path we have taken behind us, cutting us off from any connection to the world of light from which we came. “Stygian II: In Ageless Slumber (As I Dream in the Doleful Embrace of the Howling Black Winds)” is instrumental. This is the most opened track from Stygian (2020). We feel like we are trapped deep in the frozen world, with no light to shine over us anymore. Only whispers are heard deep in our heads, indicating to us a course to follow. After walking for a while and being lost in the polar desert, we no longer realize if the multiple voices entering our mind are, or if the howling and tumultuous wind is playing tricks on us. The madness and the manifestation of the errors of our life caused trap us within the streams of our own mind, until we no longer breathe. It is in the depths of this psychic drowning that we are plunged into the most total panic, gripped with the multitude of anxieties that fill our lungs. The crisis suddenly comes to an end, as we open straightly our eyes, after having succeeded to breathe again. « Stygian III: Perennial Voyage (Across the Perpetual Planes of Crying Frost & Steel-Eroding Blizzards) » is the conclusion of this limbic journey. The track opens softly with a guitar arpeggio and the gutturals of Tougas. The album takes a more open turn, as if we have learned to look at this frozen realm differently. What I really like about this track is that it explores once again, different sonic variations. Therefore, it avoids repeating itself on the other two tracks; The guitars are more experimental and melodic, Tougas ‘s voice varies even more depending the moment. The keyboard accompanies the last contours of this funeral tale with in a more melancholic and seductive way. At the very end of the track, the Canadians burst into rage one last time and Touglas's howling freezes in the cold. In the last minutes, the wind still blows, as the choirs keep singing their eternal anthem. It is by taking part in the body and consciousness of this damned and frozen world that our journey comes to an end. Atramentous brings with Stygian (2020) for me one, if not the best Funeral Doom Metal album of this year. The Quebecers offer an almost sensory journey whose ghostly and gloomy essence attracts, captivates, and makes you want to discover more. While keeping oppressive atmospheres, the diversity of emotions we feel during the listening makes the world of this album that we travel into complex, torturing and fascinating. Like a triptych painting, the 3 chapters of Stygian (2020) are so complementary and linked that it is impossible to dissociate them. With each listening, it is possible to discover a new element in the sound, offering a new experience. The petrifying and yet magnetic atmosphere that emanates from this album makes us feel tiny, naked and at the mercy of the torments of its subarctic temperature. For fans of Skepticism, Thergothon and Mournful Congregation.
FRA : Trois ans après leur premier album Blood Offerings (2017), Necrot est de retour avec Mortal, sorti le 28 août dernier. Dès les premières notes de "Your Hell", le trio californien démontre une habileté effrayante à jouer un Death Metal aux atmosphères old-school. Ce que j'aime particulièrement dans la composition, c'est que beaucoup de chansons sont très groovy, comme les chansons « Sinister Will » ou « Malevolent Intention ». Ces moments intenses font de Mortal (2020) un album remuant, accrocheur et bourré de moments énergiques desquels l’auditeur/trice n’en sortira pas indemne. Ce que j’apprécie, c’est que les riffs de guitare ne manquent pas de varier les tempos et les mélodies, tout en restant tranchants, lourds et agressifs. Ces mêmes riffs montrent également toutes leur efficience durant les breaks, leur permettant d’explorer des atmosphères complémentaires. De plus, le jeu de guitare d’Indrio (vocaux, guitare et basse) et de Reinhardt est bourré de tremolos, rendant certains de ces riffs hypnotiques et captivant Les grunts d’Indrio sont très graves. Ils se juxtaposent avec soin sur les autres instruments, offre une puissante énergie qui vient du fond de ses tripes et ne manque d’aucune présence ni de technique. Ce que j’apprécie beaucoup, c’est que les vocaux ajoutent ce qui est nécessaire pour donner une atmosphère suffisamment lourde à l’album, tout en laissant respirer la musique. Cela permet de rester captivé par l’énergie hypnotique émanant de l’album. L’équilibre qui est posé entre la voix et les autres instruments est plutôt bien répartie, laissant tout de même plus de place pour les guitares. La batterie de Gailey a un son réglé un tout petit peu plus bas que le reste des instruments, mais la présence dont elle dispose réussit à ajouter du poids aux morceaux et même, de donner plus d’énergie. Les rythmes percutants et puissants qu’elle impose sont particulièrement intenses durant les solos ardents de guitare. Necrot amène avec son dernier album une excellente continuité de Blood Offerings (2017). Le trio californien apporte avec leur dernière création une écoute de Death Metal aux influences old-school de qualité exceptionnelle, aux compositions d’une violence sans merci, impitoyables et saisissants. Mortal est pour moi un des meilleurs albums de 2020. Il émane un effet hypnotique dans sa composition générale, laissant l’auditeur/trice dans un état végétatif. Il enlève tout espoir de survie en nous enveloppant dans son atmosphère lourde et suffocante, nous drainant notre énergie et nous attirant jusqu’à un abîme aux dents acérées, qui attend de nous avaler d’une seule bouchée. Pour les fans d’Autopsy, Bolt Thrower et des 3 premiers albums de Death. ENG : Three years after their first album Blood Offerings (2017), Necrot’s coming back with Mortal, released le 28th of 2020. From the very first notes of “Your Hell”, the Californian trio shows a frightening ability playing Death Metal with a lot of old-school atmospheres. What I do enjoy into the songwriting, is that a lot of the songs are groovy, like the songs “Sinister Will”, or “Malevolent Intention”. These intense instants make out of Mortal (2020), a stirring and catchy record that is full of energic moments, from which, the listener won’t be able to fight back against. I like that the guitar riffs contain a lot of variated tempos and melodies, while keeping sharp, heavy, and aggressive. The same riffs show also all their efficiency during the breaks, exploring complementary atmospheres. Furthermore, Indrio's (vocals, guitar and bass) and Reinhardt's guitar playing is packed with tremolos, making some of these riffs hypnotic and captivating. Indrio’s grunts go deep. They’re well juxtaposed on the other instruments, delivering a powerful energy coming from Indrio’s guts and don’t lack of presence or technic. What I especially like with these vocals, is that they add what’s necessary on their own to give to the record a sufficient heavy atmosphere. They allow enough space to the rest of the instruments, so the auditor remains captivated by the emanated energy of the album. The balance between the vocals and the other instruments that is put is well distributed, even though it gives a tiny more place to the guitars. Gailey's drums sound a little lower than the rest of the instruments, but the presence they have manage however to add more weight to the songs and even give more energy to the songs. The punchy and powerful rhythms that it imposes are particularly intense during the fiery guitar solos. Necrot brings with its latest record an excellent continuity of Blood Offerings (2017). The Californian trio brings with their latest creation a listening to Death Metal with old-school influences of exceptional quality, compositions of merciless violence, ruthless and gripping. Mortal (2020) is to me one of the best Death Metal releases of 2020. It emanates from this record a hypnotic effect in its overall songwriting, leaving the listener in a vegetative state. It takes all hope of survival by enveloping us into its loud and suffocating atmosphere, draining the energy out of us and luring us to a living abyss full of teeth, waiting to swallow us alive. For fans of Autopsy, Bolt Thrower and the 3 firsts Death’s records.
FRA : Brothers of Metal a livré le 10 janvier dernier l’épique Emblas Saga et reprend, comme Prophecies of Ragnarök (2018), les aventures des Aesirs aux 4 coins des 9 mondes. La production d’Emblas Saga (2020) est raffinée et claire, laissant les couleurs joviales et épiques de l’album pénétrer au plus profond de l’auditeur/trice. Le son est ouvert, laissant tout le pouvoir s’échapper dans un léger écho et permettant de ressentir toute la puissance de chacun des titres et de leurs refrains. Une chose que j’apprécie beaucoup, c’est que Brothers of Metal apporte une dose suffisante d’effets dans l’album, procurant l’énergie et la sensation de vivre une aventure épique. Emblas Saga (2020) arrive à maintenir son fil conducteur sans se perdre avec trop d’effets ou de samples, lui permettant de garder son énergie avec fluidité durant toute l’écoute. Une très grande force de cet album est la simplicité de l’écriture des compositions. Elle rend l’écoute accessible, permettant d’être plongé très rapidement au beau milieu de l’univers mythique et fantastique de Emblas Saga (2020). Si les compositions sont parfois un peu prévisibles à mon goût, elles sont toutefois harmonieuses, fluides, accrocheuses et arrivent, lors des moments plus soutenus, à conserver un dynamisme entraînant. L’atmosphère que les suédois délivrent est si captivante qu’il est facile de s’imaginer au beau milieu de la mer en tentant de survivre à l’assaut du monstrueux Serpent de Midgard, de chevaucher aux côtés des Valkyries, ou encore de vivre une aventure aux côtés des Aesirs les plus célèbres. Les voix des Eriksson (Joakim Lindbäck et Ylva) débordent d’énergie et ne manquent d’aucune présence. La fratrie répète dans Emblas Saga (2020) ce qui a fait le succès de leur premier album, Prophecies of Ragnarök (2018). Ils content les chansons non seulement avec force et émotions, mais aussi avec humour. Les chœurs renforcent avec énergie les tournures épiques et dramatiques que prennent les sagas mythiques. Quelques fois, ces chœurs chantent en suédois, comme dans "Brothers Unite". Il y a aussi du vieux norrois, comme dans l’introduction du titre éponyme. J’apprécie beaucoup ces touches linguistiques, car elles renforcent l’immersion dans l’univers mythique d’Emblas Saga (2020) et le rend encore plus vivant. La mythologie Scandinave est un des thèmes lyriques les plus explorés à ce jour dans la culture du Heavy Metal. Brothers of Metal livre avec Emblas Saga (2020) un album aux compositions accrocheuses et aux histoires contées avec une énergie débordante et rafraichissante. La moindre note donne envie d’entendre le reste de l’album pour l’écouter à nouveau par la suite. Emblas Saga (2020) livre une épopée plus fluide, plus variée et plus vivante que Prophecies of Ragnarök (2018), permettant une aventure héroïque, magique et théâtrale aux côtés des dieux. Pour les fans d’Orden Ogan, Elven King et Battle Beast. ENG : Brothers of Metal delivered the epic Emblas Saga on the 10th of January of 2020 and takes us, as Prophecies of Ragnarök (20018) did, the Aesirs’ tales across the 9 worlds. The production of Emblas Saga (2020) is refined and clear, letting the jovial and epic colors of the album penetrate deep into the listener. The sound is open, letting all the power go in a slight echo and allowing to feel the of each of the tracks and their choruses. One thing I really appreciate is that Brothers of Metal brings a sufficient dose of effects to the album, bringing the energy and the feeling of having an epic adventure. Emblas Saga (2020) manages to maintain its common thread without getting lost with too many effects or samples, allowing it to keep its energy flowing throughout the listening. The simplicity of the compositions writing's one of this record's greatest strengths. It makes listening accessible, allowing you to be plunged very quickly into the mythical and fantastic universe of Emblas Saga (2020). The compositions are sometimes a bit predictable for me. However, they are fluid, harmonious, catchy and manage, during more intense moments, to retain a lively dynamism. The atmosphere that the Swedes deliver is so captivating that it's easy to imagine ourselves in the middle of the ocean, trying to survive the onslaught of the monstrous Midgard Serpent, riding alongside the Valkyries, or even living an adventure alongside the most famous of the Aesirs. Eriksson' voices (Joakim Lindbäck anf Ylva) are bursting of energy and don't lack of presence. The siblings deliver again in Emblas Saga (2020) what made the success of their first album, Prophecies of Ragnarök (2018). They tell the songs not only with emotion and strength, but also with humor. The choirs energetically reinforce the epic and dramatic turns taken by the mythical sagas. Sometimes, they even sing in Swedish, as in "Brothers Unite". There's also Old Norse, as in the eponym track's introduction. I like those linguistic touches a lot, because they reinforce the immersion in the mythic universe of Emblas Saga (2020) and make it more alive. Scandinavian mythology's one of the most explored lyrical themes to this day into Heavy Metal's culture. Brothers of Metal delivers with Emblas Saga (2020) an album with catchy songs and with tales that are told with an overwhelming and refreshing energy. The slightest note makes want to hear the rest of the album, to hear it again afterwards. Emblas Saga (2020) delivers a smoother, more varied, and livelier epic than Prophecies of Ragnarök (2018), allowing a, heroic, magical and theatrical adventure by the side of the gods. For the fans of Orden Ogan, Elven King and Battle Beast.
FRA : Convulsing est un one-man band fondé par Brendan Sloan. Errata, son premier album, est sorti le 26 novembre 2016. La production d’Errata (2016) est d’une manière générale oppressante. Le son est obscur, fermé et suffocant, comme l’on se trouvait piégé à l’étroit entre les 4 murs des zones les moins confortables de nous-mêmes. Nous nous trouvons emmurés et recroquevillés en revivant nos propres doutes et incertitudes dans un sentiment de détresse et d’insécurité. Ce qui est paradoxal, c’est qu’une certaine ouverture est incluse dans la production du son et dans l’agencement des instruments. L’atmosphère angoissante qui se ressent durant l’écoute d’Errata (2016) m’a rappelé l’identité sonore d’autres groupes australiens, comme Portal ou Mitochondrion. La batterie livre un jeu terrifiant, mais garde un son ouvert, permettant à l’auditeur/trice de ressentir la puissance de l’attaque des blasts. Lors des breaks plus calmes et atmosphériques, les sons soutenus de la batterie font grandir un sentiment d’inquiétude constant, comme si nous nous sentions sans arrêt sous constante observation par une menace invisible. Les guitares et la basse renforcent l’atmosphère troublante et sinistre de cet album. Les riffs ont un ton Death Metal, mais comportent une couleur de son stressante, inquiétante, voire malaisante. Lors des breaks plus calmes, les guitares ont un son plus ouvert, laissant une sensation cathartique sur un vide continuel qui s’étend sans jamais trouver de fin. Ces passages sont plus lents, mais gardent un ton sombre, comme celui apparaissant au milieu du morceau « Dis ». Les rares solos de l’album, comme ceux apparaissant dans « Altered », ou « Invocat », dégagent aussi cette couleur stressante et léthargique, donnant presque des palpitations irrégulières au cœur, des sueurs froides ou des spasmes. La voix gutturale de Sloan est extrêmement grave, mais est également capable de maintenir les aigues. Elle s’accorde parfaitement avec l’ambiance générale de l’album, en engouffrant et possédant notre psychisme, jusqu’à en être complètement dépossédé de soi-même. Sloan chante clairement lors de la reprise de « The Sky Moves Sideways » par Porcupine Tree, laissant presque un dernier espoir de lucidité, avant de replonger dans l’angoisse jusqu’à la fin de l’album. Digne d’une bande-son d’un film de Stanley Kubrick, Errata (2016) surprend encore après presque 4 ans, avec ses morceaux aux compositions malaisantes. Convulsing plonge notre perception dans les terreurs qui se terrent au plus profond de notre psychisme, nous empêchant d’en détourner la moindre pensée. La terreur qui se dégage d'Errata (2016) ne prend aucune forme, mais se ressent à la base de notre cerveau reptilien, jusqu’aux extrémités de notre corps, ne sous laissant vivre que dans l’accablement du doute, le repli sur soi constant et la crainte des formes que verront notre réalité lorsque nous rouvrirons les yeux à nouveau. Pour les fans de Portal, Altarage, et Blattaria. ENG: Convulsing’s a one-man band founded by Brendan Sloan. His first record Errata was released on the 26th of November. Errata’s production is from a general point of view oppressing. Its sound is pitch black, closed and suffocating. It’s like being trapped in a closed narrow space, within the 4 walls that encircle the less comfortable aspects of our inner self. We find ourselves walled in and curled up, living once again our inner doubts in a feeling of distress and insecurity. Though, something paradoxal in the production and the instruments’ arrangements is that they also include a certain open sound. The anguish feeling that we can feel while hearing Errata (2016) reminded me of other Australian bands, such as Portal or Mitochondrion. The drums deliver a terrifying performance, but also keeping an opening sound, allowing the listener to feel the full power of the blasts’ attacks. Throughout calmer and atmospheric instants, the sound of the drums ticks a constant worried feeling, as if an invisible threat were constantly watching us. The guitars and bass reinforce the troubling atmosphere of this album. The riffs have a Death Metal tone, but also a stressful, uncomfortable, even disturbing colour of sound. During the quieter breaks, the guitars have an open sound, leaving a cathartic feeling on a continuous void that stretches without ever finding an end. These passages tend to stay in the lead, like the one appearing in the middle of the song “Dis”. The rare solos on the album, such as those appearing in “Alternate” or “Invocat”. also exude this tense and torpid colour, almost giving the heart irregular palpitations, cold sweats, or uncontrollable spasms. Sloan’s voice is extremely deep but is also capable of maintaining certain high notes. It fits perfectly with the overall mood of the album, engulfing and possessing our psyche, to the point of being completely dispossessed of ourselves. Sloan sings clearly during Porcupine Tree “The Sky Moves Sideways” leaving almost a last hope of lucidity, before plunging back into complete anguish until the end of the album. Worthy of a Stanley Kubrick film soundtrack, Errata (2016) still surprises after almost 4 years with its uneasy compositions. Convulsing plunges our perception into the terrors that lurk deep inside our psyche, preventing us from diverting the slightest thought from it. The terror that emanates from Errrata (2016) takes no form, but is felt at the base of our reptilian brain, to the extremities of our body, leaving us only in the burden of doubt, the constant withdrawal into ourselves and the fear of the forms that our reality will see when we open our eyes again. For fans of Portal, Altarage, and Blattaria.
FRA: Deux ans après avoir sorti Devouring Mortality (2018), Skeletal Remains est de retour avec Entombment of Chaos (2020), sorti le 11 septembre dernier. Les riffs joués par Mike De La O et Chris Monroy sont variés, cinglants, rapides et aussi tranchants que des lames aiguisées. Ils démontrent une agressivité et un panache qui n’est pas sans rappeler la scène de Death Metal floridienne qui a émergée dans les années 90. Une couleur de son très chaude s’en dégage, faisant imaginer l’hémoglobine giclant de blessures béantes. Les solos offrent des moments mordants, frisant la décadence amenant encore plus de lourdeur et d’intensité aux morceaux. La basse de Noah Young suit le jeu des guitares et rend le son plus lourd durant l’écoute. La batterie de Charlie Koryn (membre guest ; Acended Dead, Void Ceremony, etc.) est agressive, sans pitié, ne se relâche à aucun instant. Elle varie les rythmes et les techniques avec l’aisance d’un boucher qui, changeant de lame, décarcasse une dépouille en explorant avec fascination la conception de son anatomie. Elle arrive en outre à accentuer certains moments et accompagne avec brutalité les solos. Si l’énergie, la puissance et le poids qui s’en dégage est phénoménale et prend un certain espace au sein de l’écoute, elle est placée de manière à ne pas couvrir les autres instruments, et leur ajoute même plus d’énergie. La production reste claire et ne ferme pas trop le son, permettant aux différents membres de garder une dynamique ouverte et fluide, tout en gardant un poids massif, pesant et suffocant. Monroy emploie un style de voix similaire à Chuck Schuldiner (Death) et Patrick Mameli (Pestilence). Des chœurs renforcent certains instants et donnent plus de ton, rendant certains refrains, comme celui de « Dissectasy », très accrocheurs. Les paroles abordent des thèmes classiques pour ce genre de musique : la fascination de la mort, le meurtre, la souffrance, etc. Excellente surprise du groupe californien qui, une fois de plus, livre un album titanesque, autant en termes de compositions, que d’atmosphères et de présence vocale. À la manière d’un tueur en série en proie à ses pulsions meurtrières et une obsession maladive pour la mort, Entombment of Chaos (2020) exerce une violence effarante, menée avec aisance, technique et passion. Skeletal Remains délivre un album conçu dans la veine du Death Metal floridien, et place son Apex Predator au sommet de la chaîne alimentaire. Pour les fans de Pestilence, Death et Obituary. ENG: Two years after the release of Devouring Mortality (2018), Skeletal Remains is back with Entombment of Chaos (2020), released the 11th of September of this year. The riffs, played by Mike De La O (Morfin) and Chris Monroy are various, scathing, fast and as sharp as cut as deep as sharp knives. They demonstrate an aggressivity and a flair that is not without making think Florida’s Death Metal scene that emerged during the 90’s. They emanate a very vivid color, making imagine the hemoglobin goring from gaping wounds. The solos offer biting moments, bordering on decadence, bringing even more heaviness and intensity to the tracks. Noah Young’s bass follows the guitars and give an even heavier sound to the album. Charlie Koryn’s drums (guest member; Acended Dead, Void Ceremony, etc.) is aggressive, merciless and takes no single break. They differ the rhythms and techniques with the ease of a butcher who, changing his blade, clears a carcass by exploring with fascination the conception of his anatomy. Drums also manage to accentuate certain moments and brutally accompanies the solos. While the energy, power, and weight that emerge from it is phenomenal and takes up some space within the listening, drums are placed in a way that they do not cover other instruments, adding even more energy to them. The production remains clear and doesn't close the sound too much, allowing the different members to keep an open and fluid dynamic, while keeping a massive, heavy and suffocating weight in the notes played. Monroy employs a voice style like Chuck Schuldiner (Death) and Patrick Mameli (Pestilence). Choirs come to reinforce particular moments, giving more tone, making certain choruses, such as the ones in "Dissectasy" very catchy. Lyrics deal with themes that are rather classical for this kind of music: the fascination of death, murder, suffering, etc. Excellent surprise from the Californian group who, once again, deliver a titanic album as much in terms of compositions as of atmospheres and vocal presence. In the manner of a serial killer in the grip of his murderous impulses and a sickening obsession for death, Entombment of Chaos (2020) fulfills a frightening violence, carried out with ease, technique, and passion. Skeletal Remains delivers an album conceived in the vein of Florida's Death Metal by placing their Apex Predator at the top of the food chain. For fans of Pestilence, Death and Obituary.
FRA : Ashes Coalesce est sorti le 3 juillet 2020. Il s’agit du second album de LL (Desolate Shrine, Ordinance) et MN (Dark Buddha Rising, Waste of Space Orchestra), basés à Helsinki. Si je devais résumer cet album, je dirais simplement que c'est un voyage limbique. Si c'est une description qui semble clichée pour un album de Funeral Doom Metal, ça n’est pourtant pas sans raison. Non seulement le duo finnois offre des compositions très lourdes et musclées, mais emprunte aussi plusieurs styles vocaux, allant du guttural le plus profond et lourd, aux shrieks perçant, voire stridant. Des vocaux féminins ainsi que des chants clairs sont également inclus, offrant des instants déchirant de mélancolie, voire ensorcelant, comme dans la seconde partie de « The Absence of Grief » ou « Misery Form ». Pour ce qui est des guitares, certains passages sont joués lentement et de manière plus classique pour du Funeral Doom Metal, comme la 1ère partie de « The Absence of Grief ». Ces instants ont une couleur de son froide, mélancolique et austère et offrent même à certains moments, une sensation de chair de poule. À d’autres moments, les riffs sont un peu plus rapides et prennent un ton plus Death Metal très énergique, accentuant la lourdeur et le poids de l’atmosphère, comme un mauvais traitement qui nous est infligé et que nous subissons. La manière dont ces passages, presque progressifs, sont amenés me rappelle beaucoup l’approche d’Esoteric. Des couleurs de son plutôt chaudes émanent du jeu des guitares à quelques moments de l’écoute, ce qui est inhabituel à entendre dans un style comme le Funeral Doom Metal. La basse suit comme une ombre les riffs joués. Le premier album, Scars Across (2018) apportait déjà ces éléments-ci, mais Ashes Coalsce (2020) offre une écoute plus variée, expérimentale et mature. La batterie accompagne avec merveille les autres instruments. Le jeu est imposant et ne perd pas son énergie un seul instant, même à travers les passages les plus lents de l’album, où son enchaînement rend l’atmosphère à devenir plus pesante, dure et implacable. Ce qui est excellent dans cet album est la qualité de la production. Toutes les notes qui sont jouées sont calculées et équilibrées. Une place distinctive est donnée à tous les instruments, permettant non seulement à l'auditeur-trice de se plonger dans l’écoute, mais de prêter attention aux moindres aspects sonores qui la constitue. C'est ce genre d'immersion qui nous plonge dans une brume épaisse et surnaturelle, qui prend des formes qu’il n’est possible de se représenter que par soi-même. Ashes Coalesce (2020) est sans conteste un des meilleurs albums de Funeral Doom Metal que j'ai entendus cette année. La hantise qui se trame est interprétée avec efficacité. L’atmosphère limbique qui s’en dégage s’éloigne de ce qui sort d’habitude des autres groupes de Funeral Doom Metal, offrant au genre une nouvelle forme. Cet album alterne les expérimentations, apportant aux 4 morceaux plus d’émotions, de maturité, de complexité, d’énergie que le premier album, Scars Across (2018). Ces composants amènent une flamme d’une consistance différente et permettent d’explorer les courbes fumeuses et ténébreuses des limbes sous une autre lumière. C'est un album que je conseille à celles et ceux qui n’apprécient pas ce genre de musique, afin de le découvrir sous une forme différente. Pour les fans de Shape of Despair, Esoteric et My Dying Bride. ENG: Ashes Coalesce was released on the 3rd of July 2020. It’s the 2nd album of LL (Desolate Shrine, Ordinance) and MN (Dark Buddha Rising, Waste of Space Orchestra), based in Helsinki. If I had to resume this album, I’d simply say that it’s a limbic voyage. If it seems to be a cliché description of a Funeral Doom Metal album, it’s not without any reason. Not only does the Finnish duo offers heavy and muscled compositions, but performs many vocal styles, from the deepest and heaviest guttural vocals to penetrating and shrill shriek. Female vocals and clean vocals are included too, offering instants of tearing melancholy, if bewitching, like in “The Absence of Grief”’s second part or “Misery Form”. Let’s talk about the guitars; some parts are slowly played and are more classic for Funeral Doom Metal, like the 1st part of “The Absence of Grief”. Those parts deliver a cold, melancholic and bleak sound, giving almost goosebumps at some moments. At other moments, riffs are a bit faster and take a certain Death Metal tone, giving more weight to the atmosphere. The way that these instants, that are almost progressives, are brought reminded me strongly of Esoteric’s approach. At some moments, the guitars emanate warm colors into the album sound, which is unusual to hear in such a genre like Funeral Doom Metal. As a shadow, the bass follows the riffs. The first record, Scars Across (2018) brought already those elements, but Ashes Coalsce (2020) offers a more various, experimental, and mature content. The drums enhance marvelously the other instruments. Their performance are imposing and don’t lose their energy at any single moment, even through the slowest parts of the album, at which their sequences makes the atmosphere heavier, tougher and unrelenting. What is excellent in this album is its production’s quality. Every note that is played is calculated and balanced. A distinctive place is given to every instrument, allowing not only to the auditor to feel a more immersive experience, but to listen to every sound aspect it offers. It’s this kind of immersion that makes us feel dived into a thick and unnatural fog, that takes forms that are only possible for ourselves to represent. Ashes Coalesce (2020) is without contest to me one of the bests Funeral Doom Metal albums that I heard this year. The dread that is brewing is interpretated with efficiency. The limbic atmosphere that spreads from it puts some distance from what’s usually done with other Funeral Doom Metal bands, giving to the genre a new shape. This album alternates the experimentations, bringing more emotions, maturity, complexity, and energy than its predecessor, Scars Across (2018). Those ingredients bring a flame made of a different substance and allow to explore the smoky and gloomy curves of the limbos in another light. It’s an album that I advise strongly to people who don’t like this genre, to maybe discover it under a different shape. For the fans of Shape of Despair, Esoteric and My Dying Bride.
FRA : Katavasia a livré son second album Magnus Venator le 4 septembre de cette même année. Et quel album ! Les grecs remettent au goût du jour avec succès le son "Hellenic Black Metal" avec une touche moderne. C'est comme si on écoutait la période des années 90 de Rotting Christ, Varathron et Necromantia, mais avec une perspective actuelle et une production fluide. Les riffs comportent un jeu caressant la technique, les rendant extrêmement accrocheurs et presque hypnotiques. Ils ne sont pas en soi beaucoup plus complexe que ce que l'on entend dans la moyenne des sorties Black Metal. Les mélodies restent toutefois en tête et permettent une écoute plus qu’accessible, ce qui donne envie d'entendre la suite des morceaux. La batterie a un jeu plutôt classique, mais dont le son très clair et organique se juxtapose harmonieusement avec les autres instruments. La basse a un son ardent, presque dansant. Lorsqu'elle n'accompagne pas le reste des instruments, elle dégage un son antique avec une touche orientale apportant une empreinte de mysticisme et de magie à l'album. La voix engagée, acerbe et incantatoire m’a rappelé un peu celles de Tom Warrior (Triptykon, Triumph of Death) et de Mille Petrozza (Kreator). Les paroles abordent notamment l'occultisme. Des premières notes de "Daughters of Darkness" jusqu'à l’outro de "Babylon (Sammu-Rawat)", Katavasia ramène au goût du jour ce qui a fait le succès de la scène Black Metal héllenique dans les années 90 : une ambiance sombre, toutefois chaleureuse, embrasée dans des compositions aussi mélodiques qu’épiques et mystiques. La grande force de cette sortie est sa production fluide, entraînante et alchimique, laissant de la place à chaque membre du groupe de la place. L'énergie et la magie qui se dégagent de Magnus Venator (2020) est plus forte, vivante et variée que son prédécesseur, Sacrilegious Testament (2015). Il s'agit d'un des albums de Black Metal qui m'a le plus plu cette année. Je le recommande à celles et ceux qui ne connaissent pas bien la scène héllenique de Black Metal, où qui souhaitent la redécouvrir sous une perspective moderne. ENG: It's on the 4th of September of this year that Katavasia released it's second full-length, Magnus Venator. And what of an album! The Greeks bring back successfully in this release the "Hellenic Black Metal" sound, with a modern touch. It's like hearing Rotting Christ, Varathron and Necromantia from the 90's, but with today's perspective and a fluid production. The riffs feature a tiny technical aspect, making them extremely catchy and almost hypnotic. They're not especially more complex than most of the usual Black Metal releases. The melodies, however, are made in such a way that they keep playing in the head, allowing a listening more than accessible, which makes want to hear more of it. The drums deliver a classic performance, but with a truly clear and organic sound. They juxtapose harmoniously with the other instruments. The bass has an ardent sound, almost dancing. When it's not playing with the rest of the instruments, it releases an antic sound with an oriental touch, bringing a mystical and magic shape to the album. The engaged, acerbic, and spelling vocals reminded me of a mix between those of Tom Warrior (Triptykon, Triumph of Death) and Mille Petrozza (Kreator). Lyrics talk mainly about occultism. From "Daughters of Darkness"' firsts notes to "Babylon (Sammu-Rawat)"'s outro, Katavasia brings us back to what made the Hellenic Black Metal scene successfuly during the 90's with a modern and fresh perspective: a shadowy atmosphere including a certain warmth, igniting compositions that are as melodics as they are epic and mystic. The main strength of this release is its fluid, lively and alchemic production, letting each bandmate have their own place. The amount of energy and magic that emanates from Magnus Venator (2020) is stronger, more alive, and various than its predecessor, Sacrilegous Testament (2015). It's surely one of the Black Metal albums that I enjoyed the most this year. I strongly recommend this album for people who'd like to discover or rediscover the Greek Black Metal scene from a modern expression.
FRA : Cet album procure une atmosphère générale sombre, comme si nous nous retrouvions au fin fond d’un temple oublié, où seuls quelques adeptes maintiennent leurs rituels sacrés depuis des temps immémoriaux. Il en dégage dans la composition et l’atmosphère générale de l’album une étrange sensation méditative, presque relaxante. Il dispose d’un son émanant une certaine chaleur, dont la présence se sent durant l’écoute comme un bâton d’encens fumant, et plus particulièrement dans les riffs de guitare. Non seulement lourds et proposant ce qu’on attend de ce genre de musique, les riffs sont accrocheurs et répétés de manière rituelle me rappelant ceux de Morbid Angel. Les solos joués ont quant à eux un son cryptique et hurlant, ce qui colle parfaitement à l’ambiance de la sombre cérémonie qui se déroule. La basse est quant à est plus discrète, mais rajoute plus de lourdeur pendant les breaks. La batterie propose un jeu très orienté Death Metal, mais joue presque de manière ritualisée. Elle se place toutefois à merveille dans l’ambiance générale de l’album et livre un jeu presque complètement sourd et enfumé. Cela permet de renforcer cette atmosphère méditative, la rend personnelle et intime, permettant à chacun/e d'entre nous de s'élever un moment au-dessus de notre conscience et de quitter le monde des vivants un moment. Le chant guttural ne révolutionne pas le genre de musique. Il est toutefois très organique et old-school. Si elle rappelle facilement les vocalistes de la scène floridienne des années 80, c’est en particulier celle de John Tardy (Obituary) à laquelle je repense le plus. Les paroles explorent l'occultisme, plus particulièrement les voyages astraux, la mort, certains rites funéraires et les divinités qui s'y associent. En conclusion, Grave Miasma offre avec Odori Sepulcrorum (2013) un peu moins de 50 minutes de Blackened Death Metal ritualisé, illuminant l’adepte dans la pratique de son rituel, lui permettant de détacher l’âme de son corps, franchir les barrières du monde des vivant et d’explorer le spectre de la mort. C'est l'unique album de Grave Miasmal à ce jour. Ils ont sorti quelques EP, en plus des différentes sorties qu’ils ont sortis auparavant sous leur premier nom, Goat Molestör. Pour les fans de Morbid Angel, Dead Congregation et Incantation. ENG : This album procures in general a dark atmosphere, just like if we would find ourselves at the bottom of a forgotten temple, where only a few adepts maintain their sacred rituals since time immemorial. It brings a strange meditative sensation through its global composition and atmosphere that is almost relaxing. It has a sound that’s spreading some kind of heat, of which we can feel its presence during the listening of the record, just like a burning incense stick, especially when it comes to the riffs. Not only are they heavy and offer what we usually expect from this kind of music, but they’re also catchy and ritually repeated in a way that reminded me of Morbid Angel. Coming to the solos, they have a cryptic and howling sound that perfectly fit the ambiance of the dark ceremony that’s unfolding. The drums are played in a classic Death Metal way, but almost in a ritualistic way. They are, however, settled amazingly into the album’s general ambiance and offer us a smoky and almost deaf sound. It affords the drums to strengthen this meditative atmosphere, makes it personal and intimate, allowing each of us to rise above our consciousness for a moment, and to leave the world of the living for a while. Let’s come to the guttural vocals. If they’re not breakthrough, they’re really organic and old-school. If it reminds easily of all the Floridian scene vocalists from the 80’s, it’s especially of John Tardy from Obituary that I rethink the most. Lyrics explore occultism, and most foremost about the astral voyages, death, some funeral rites, and the deities that are associated with those. In conclusion, Grave Miasma offers with Odori Sepulcrorum (2013) a bit less than 50 minutes of ritualized Blackened Death Metal, illuminating the follower in the practicing of the sacred ritual, allowing him to detach the soul from his body, cross the barriers of world of the living and explore the specter of Death. It’s the only album from Grave Miasma to this day. They have released some EPs through the years, plus some of the other releases that came out under their first name, Goat Molestör. For fans of: Morbid Angel, Dead Congregation, and Incantation.
FRA: Sorti le 9 octobre 2020. L'ambiance qui se dégage du son de l'album est simplement brûlante comme le fin fond de l'enfer. Les riffs endiablés qui sont joués sont aussi ensorcelants qu'agressifs et sont très old-school. Si la batterie est plus distante, elle propage une ambiance fumante qui ravive les flammes qui ont décimés des milliers d'impies à travers plusieurs siècles de chasse aux sorcières. La voix est rapide, tranchante, railleuse et chante un hommage à l'Adversaire, qui tapis, dans les terreurs puritaines des hommes, se manifeste pour faire renaître ses adeptes de leurs cendres, terroriser les vivants et prendre leur revanche Pour les fans de Nifelheim, Witchery et Venom ENG: released the 9th of October. The atmosphere that is unleashed from this release burns as the deepest depths of Hell. The boisterous old school riffs that are played in this less of a half an hour album are as bewitching as they are aggressive! Drums are sometimes a bit intended but spread a more smoking atmosphere that intensifies the flames that set once a blaze upon the thousands of heretics who died from the witch hunts that took place centuries ago! Vocals are sharp, fast, sneering and hails the Adversary, whom, lurking in the shadows, manifests himself to make his adepts be born again from their ashes. Again, witches will inspire terror to the living to reclaim vengeance! For fans of: Nifelheim, Witchery and Venom